SITGES XPERIENCE 2.013 (y IV)

DÍA 3
—17 de octubre—

    El jueves tocaba visionado de películas serias y menos frikis de lo habitual. Por desgracia, la elección fue excelente y digo por desgracia ya que servidor subió a Sitges sin su churri y las películas visionadas hubieran sido más de su agrado que no "Starcrash: choque de galaxias".

BIG BAD WOLVES

    Dirigida y guionizada por Aharon Keshales y Navot Papushado, estamos ante una excelente muestra de comedia negra que mezcla venganza, thriller, torture porn y pederastría con sentido del humor y elementos cómicos. Una mezcla difícil (el tema de la pederastría no es para tomarlo a broma) y que sin embargo, lo hace con inteligencia ya que te tiene todo su metraje en tensión pegado a la pantalla pero con la posibilidad de echarte unas risas en ciertos momentos.

    Desde Israel se nos cuenta la historia de Dror —Rotem Keinan—, un afable profesor escolar al que Micki —Lior Ashkenazi—, un violento policía lo tiene en su punto de mira. Dror está siendo investigado por la desaparición de varias niñas de su colegio, que luego han ido apareciendo violadas y asesinadas.

Por su parte, Gidi —Tzahi Grad—, uno de los padres afectados y militar retirado, también está convencido de la culpabilidad de Dror, así que idea el secuestro del profesor; pero justo cuando lo va a acometer, se ve obligado a secuestrar al policía, quién seguía en ese momento a Dror. 

    Una vez en el sótano de la casa de campo de Gidi, éste ofrecerá a Micki la posibilidad de ayudarle en la tortura que ha de culminar con la confesión del supuesto pederastra. El problema está en que Gidi avisa desde el primer momento a Dror que no va a salir vivo de allí, tan sólo podrá morir con la conciencia tranquila si confiesa. El agente de policía se verá en la disyuntiva de unirse a la tortura o ayudar al profesor, ya que poco a poco empieza a sentir empatía y lástima por él. A todo esto, la trama se complicará cuando acabe apareciendo Yorma —Dov Glickman—, el padre de Gidi (momento casposo a la hora de confeccionar el casting: Gidi es un personaje sexagenario y ¡su padre está protagonizado por un actor de la misma edad o algo menor incluso!), quien empujado por su mujer preocupada por el supuesto resfriado de su hijo, le ha obligado a ir con una olla de sopa.

El personaje de Yorma aporta el toque cómico, aunque la sorpresa viene al conocerse que es más hijo de puta que su propio hijo.

    Muy interesante mezcla de géneros con unas interpretaciones notables. La película es violenta, sí, pero sabe mantener muy bien el misterio y los toques de comedia llegan siempre en el momento adecuado para rebajar el nivel de dureza. Además, hay una buena dosis de crítica hacia la violencia policial y deja espacio para la reflexión: todos nos llenamos la boca al decir que mataríamos al asesino de un familiar directo, y seguramente lo haríamos si estuviéramos justo en ese momento... pero, ¿seríamos capaces de vengarnos "en frío", habiendo pasado tiempo y mientras el asesino nos mira con pena suplicando clemencia? Y es justamente lo que le sucede a Micki, quien lleva meses obsesionado con el presunto pederastra y sin embargo, cuando se encuentra ante alguien más salvaje que él mismo —Gidi—, empieza a replantearse su conducta.

    Por otra parte *SPOILER* sólo lastra el guión el hecho de que demasiado pronto sabes que el afable profesor es en verdad culpable, y pese a la grandiosa interpretación de Rotem Keinan y la caña que le dan a su personaje en el sótano, cuesta que el espectador empatice con él *FIN DEL SPOILER*. 

    Como comentario final, decir que la película comenzó accidentadamente, con una larga y excelente secuencia de créditos inicial, jodida por un volumen inhumano y el parón de la película al finalizar esa secuencia, para dejarnos luego diez minutos de espera a que volviera a empezar desde el principio otra vez.

THE PHILOSOPHERS

    Curiosa película. Y digo curiosa porque su casting se compone casi en su totalidad de jóvenes de menos de veinticinco años (y es bien conocida mi alergia a menores de treinta años en cualquier película o serie), la actriz principal, Sophie Lowe, tiene menos expresividad que Kristen Stewart (lo cual la empareja interpretativamente hablando con un botijo), los personajes se limitan a elucubrar sobre qué harían en caso de una catástrofe mundial... y el resultado es una de las propuestas más atractivas que han pasado por el festival.

    La sencilla trama consiste en que en una escuela internacional para niños pijos en Jakarta, los alumnos de la carrera de filosofía asisten a la última clase de dicha carrera. El profesor Zimit —James D'Arcy— plantea una serie de catástrofes planetarias, tipo guerra nuclear, apocalipsis climático, etc., y con varios condicionantes. Cada uno de ellos tendrá una personalidad o rasgo característico según un papel que saquen al azar.
Ya en la primera catástrofe tendrán que elegir quien entra a un búnker y quien se queda fuera, puesto que no todos pueden vivir allí dentro. Tras filosofar sobre lo que sucedería en los siguientes meses, pasan a otro escenario. Las características que servían en el anterior para que un candidato fuera válido o no ya no sirven, cambiándose las tornas y teniendo que filosofar otra vez sobre cómo comportarse, puesto que aunque el apocalípsis sea muy parecido al anterior, en el fondo es totalmente diferente. 

    Por su parte, durante toda la clase, Zimit se empeña en humillar a una serie de alumnos, y en especial mete una caña más que merecida al guaperas de Jack —Rhys Wakefield—, novio de la cara de póker sensible Petra —Sophie Lowe—, la cual en todo momento se enfrenta a Zimit no sólo para defender a su chulazo, sino para demostrarle al profe que el amor, la bondad, la sensibilidad, la castidad y la virginidad son los valores necesarios para que una comunidad cerrada sobreviva al fin del mundo. Para ello, como persona sensible y sufrida que es, no dudará en tocar las pelotas en todo momento convertirse en la líder amorosa de sus compañeros.

    Admitámoslo, el argumento es chorra y de una pretenciosidad gafapastoide que asusta, pero la gracia del asunto es cómo el director y guionista John Huddles nos hace partícipes de esta historia: aunque la acción en diversos momentos se sitúa en la clase, la mayor parte del metraje de los conflictos humanos en los escenarios apocalípticos se sitúa precisamente en estos, haciendo uso de unos F/X y decorados realmente impresionantes, como si estuviéramos viendo una película de Michael Bay. De esta manera y con los diferentes giros de guión, la peli pasa en un suspiro y se hace la mar de entretenida.

    De todas formas, creo que todo el mundo estará de acuerdo en lo innecesario del final —lo que sucede tras la clase—, y es que no viene a cuento introducir un elemento romántico tras todo lo sucedido. Y no digo más para no spoilear.

JODOROWKY's DUNE

    Entre las diferentes celebridades que han hecho acto de presencia en esta edición del festival, ha brillado con luz propia Alejandro Jodorowsky. Director, guionista, escritor, poeta, filósofo, etc. Todo un genio excéntrico, excesivo y loco. Este año presentaba en el Auditori su última creación: "La danza de la realidad", pero un par de horas antes y en la misma sala, se pudo disfrutar de "Jodorowsky's Dune", documental dirigido por Frank Pavich en el cual se explora en profundidad el desarrollo de la primera adaptación de la novela de culto "Dune". Una película de varias horas de duración y en la cual el propio Jodorowsky define como un intento de abrir la mente del espectador, de expandir su conciencia y de lograr las experiencias que aporta el LSD pero sin drogarse.

Más allá de filosofadas, Pavich, entrevistando a diferentes expertos en la materia, asegura que si llega a rodarse —hablamos de los años 70— habría redefinido el cine de ciencia-ficción como lo hizo "2.001" o "Star Wars", y que se trata de la mejor película de todos los tiempos, pese a no haber sido rodada. También se habla en profundidad del concepto y de los diferentes colaboradores que Jodorowsky reclutó para su aventura, todo un variopinto rosario de celebridades en sus respectivos campos como Dan O'Bannon, Chris Foss, H.R. Giger, Salvador Dalí, Mick Jagger, Moebius, etc.

    El documental tiene su punto humorístico, puesto que el amigo Jodorowsky se presenta como un tipo de lo más cachondo, y cuenta un montón de anécdotas, desde cómo engaño a Dalí para que creyera que era el actor mejor pagado del mundo —aunque en verdad lo fuera pero sólo por unos segundos— a cómo decidió que su propio hijo Brontis interpretara el personaje protagonista de Paul Atreides, para lo cual sometió al chaval, que tendría como doce años, a un entrenamiento intensivo en kárate durante dos años y seis días a la semana —hasta llegan a entrevistar al sensei que lo entrenó—.

    Pero si hay un protagonista silencioso en el documental, ese es sin duda EL LIBRO. La puta Biblia friki. El sueño húmedo de cualquier aspirante a director. El Dorado. El Santo Grial. "Dune EL LIBRO". ¿Y qué coño es EL LIBRO? Pues EL LIBRO es la carta de presentación que Jodorowsky y algunos de sus ayudantes —Moebius y Foss entre otros— crearon para convencer a las productoras de la viabilidad del proyecto, un proyecto, por cierto, que sería la peli más cara en su momento y de lejos.

La cuestión es que EL LIBRO —de forma más alargada en horizontal que un libro normal— y con una extensión que por su grosor debe superar las 2.000 páginas, detallaba minuciosamente a cada personaje, su historia, características y vestimentas. Las naves, armas, todo tipo de cachivaches, ciudades, edificios y civilizaciones también. Incluía la sinopsis, el argumento y el story-board al completo. Según algunos expertos entrevistados, era tan jodidamente detallado que no necesitabas ver la película para saber cómo era.

Lo que cabrea en verdad, es saber que el director envió varias copias a las principales productoras. Ninguna aceptó encargarse del rodaje, pero a lo largo de los años y es algo que muestra el documental, multitud de grandes y famosas superproducciones de Hollywood se han inspirado sospechosamente en EL LIBRO, bien porque alguno de los colaboradores colaboraba en esas películas —H.R. Giger y "Alien" por ejemplo— o bien porque decidieron apropiarse de algunas ideas sin permiso. El mismo Jodorowsky habla al respecto y reconoce que sí, que "Dune" pertenece a Frank Herbert, pero que "Dune EL LIBRO de la película" es suyo, es su concepto, y de esa manera, ciertos elementos aparecieron en posteriores cómics creados por él y por Moebius en una suerte de autoplagio.

    En fin, que tras ver el documental uno se queda con las ganas de conocer cómo habría sido el film si se hubiera rodado tal y como quería Jodorowsky; pero aún nos quedamos con más ganas de que EL LIBRO se ponga a la venta. Vamos, yo pagaba lo que fuese por tener una copia.

DÍA 4
—18 de octubre—

    En este día sólo pude asistir a un pase y encima sin mi querida churri. Pero se trataba de un pase gratuito, al aire libre en la nueva ubicación del Hort de Can Falç (ver primera entrada sobre el festival) y la película proyectada era sin lugar a dudas la mejor película de todo el festival, el fenómeno viral del año, una historia de visionado obligado para lectores de este blog. 

    Sí amigos, hablo de...

SHARKNADO

    The Asylum lo ha logrado. Su producción encargada por el canal Syfy Channel dio que hablar semanas antes de su estreno televisivo, convirtiéndose en trending topic mundial o como puñetas digan los modernetes actuales, en fenómeno viral y con las redes sociales echado humo. El estreno y la reemisión tuvieron un notable éxito. Hasta nuestro canal La Sexta la emitió en horario de máxima audiencia.

    Con dirección Anthony C. Ferrante y guión de Thunder Levin (ese entrañable ser que afirmó que cuando los productores le presentaron una idea tan loca y estúpida, no pudo negarse a escribir el guión) nos presenta la trama de un tornado que se dirige desde el mar hacia Los Angeles y va a provocar la destrucción a su paso. Eso no tendría nada de especial sino fuese porque de camino recoge el mayor banco de tiburones de la historia y los va lanzando por toda la ciudad. Y como gran parte de la ciudad está anegada por el agua... ya tenemos la excusa para ver un montón de tiburones nadando por las calles, tuberías, puentes y ya puestos, dentro de algunas casas.

    Sin querer explayarme —ya que será destripada en breve—, "Sharknado" es la peor película de la historia de la productora, todo un hito teniendo en cuenta la baja calidad media de sus películas, pero sin embargo es una de las más divertidas. Y es que lo tiene todo: efectos especiales patéticos, interpretaciones lamentables, un guión absurdo, se pasa del cielo despejado a nublado y lloviendo de un plano a otro, hay más agua dentro de las casas que en la calle, etc. Es decir, todo un despropósito de dimensiones épicas y por tanto, una obra de arte casposa.

    Y por cierto, la estrella de la peli es Ian Zering, el odioso Steve Sanders de "Beverly Hills 90210: Sensación de vivir". ¡Aynnns, estos chicos de The Asylum, siempre rescatando viejas glorias del retrete de Hollywood!

DÍA 5
—Sábado 19 de octubre—

    Último viaje a Sitges, y siguiendo la tradición de otros años, tocó visita al Brigadoon para disfrutar de algunos de sus estrenos.

THE OUTSIDER: IL CINEMA DE ANTONIO MARGHERITI

    Documental interesantísimo para amantes del género de ciencia-ficción y fantástico italianos y un más que merecido homenaje a una de las figuras más importantes en Italia, y que realizadores como Tarantino no dudan en afirmar que se trata de una de sus principales influencias. 

   Director de culto, sorprendió a propios y extraños al crear a principios de los 60 el film "Space men", el cual pese a su limitado presupuesto y haber sido rodada en B/N, supuso un éxito de taquilla. En plena década de los 60 dirigió la tetralogía "Gamma One" para la todopoderosa MGM en USA. Con un presupuesto más que generoso, el proyecto "Gamma One" se considera precursor de "Star Trek" y pese a que Margueriti, que firmaba por aquel entonces como Anthony M. Dawson y se le habían abierto las puestas de Hollywood, decidió seguir trabajando en Italia y Europa. Incluso se permitió el lujo de rechazar la petición de Stanley Kubrik para ser su mano derecha en "2.001: una odisea del espacio". Como comenta en un momento dado, prefirió ser alguien importante en el género en su propio país que no convertirse en uno más dentro de la industria americana. Aun con todo eso, no se cerró en banda a Hollywood, puesto que llegó a codirigir una versión de "La isla del tesoro" con Orson Welles como estrella principal, o dirigir el thriller "Car crash" para mayor gloria de John Travolta.

    El documental, dirigido por su propio hijo Edoardo Margheriti, aborda su carrera desde los comienzos hasta sus últimos días. Una carrera que trajo títulos de gran calidad en los que tocó todos los palos, como las mencionadas o "Crimen en la residencia" —giallo—, "Danza macabra" —terror gótico—, "El regreso de Chris Gretchko" e "Indio" —western— o "El hombre invisible" —comedia para Disney—. No obstante, no todo son maravillas; tal y como él mismo confesó en muchas entrevistas, más de un trabajo o bien fue del tipo alimenticio, o bien tuvo tan poco presupuesto que el resultado terminó por ser espantoso. Y para el recuerdo de los seguidores de BlogCaspa ahí quedan maravillas del cine mierda, como "Jungle raiders", "Kommando Leopard", "Aliens from the deep", "The humanoid", y muy especialmente, una de las obras maestras de la caspa: "Yor, el cazador que vino del futuro". 

    Por cierto, que el mismo Edoardo Margheriti estuvo en la presentación del documental y no dudó en hacerse fotos con todos los asistentes y charlar con ellos el rato que hiciera falta.

OLTRE IL GUADO

    Tal y como mencioné en la primera parte de este ciclo, Brigadoon lleva dando desde hace un tiempo el toque de atención al presentar ciertos títulos que bien podrían entrar en otras secciones del festival y ser estrenadas en los otros cines de pago. Y este es uno de ellos. "Oltre il guado" —tiulado para el mercado anglosajón como "Across the river", tal y como podéis ver en el cartel, puesto que he sido incapaz de encontrarlo en su versión original—, es un film lento, sin diálogos, con una muy buena fotografía que nos muestra parajes y escenarios tristes y tétricos. Estamos ante una de las muestras de terror con bosque y pueblo abandonado más tópicas que existen, con una lentitud exasperante, en la cual no ocurre casi nada, y sin embargo, la sensación de aislamiento del personaje te llevan a pasarlo mal durante las casi dos horas que dura. Y eso es bueno. 

    El director Lorenzo Bianchini dirige y coguioniza junto a su esposa una cinta con una trama tan simple como efectiva: un etnólogo trabaja en un bosque analizando el comportamiento de los animales. Para ello, por el bosque tiene distribuido una serie de cámaras ocultas a las que cada día extrae la tarjeta SD y la sustituye por otra en blanco. Ya de noche, en su cabaña, analiza las imágenes grabadas. Un trabajo rutinario que ocupa al menos media hora de metraje. Un día decide atrapar a un zorro, lo encierra en una jaula, lo duerme y le coloca un arnés con una mini webcam provista de GPS. Una vez el animal despierta, a través de su ordenador puede ver el recorrido que hace y su comportamiento. Por la noche, el zorro llega a lo que parecen ser las ruinas de un pueblo. Allí ve a un animal moribundo y la imagen se pierde. No me quedó muy claro al ser esas escenas en formato "found footage zorril" y de muy mala calidad, pero diría que lo que escama al investigador no son sólo las ruinas, sino que el zorro no decide comerse a esa presa indefensa. 

Decidido a recuperar la cámara, agarra su "fragoneta" y se va en busca del zorro, para lo cual ha de cruzar un río y llegar a una zona boscosa y lejana que no entra en el radio de acción de su investigación. Una vez allí se topa con un pueblo abandonado y la jodida casualidad de que ese día (y toda la semana restante, por lo visto) se desata el diluvio universal, haciendo crecer el río hasta unos niveles que no permiten ni el cruzar en automóvil ni a pie ni mucho menos a nado.

    Ya os podéis imaginar que el resto de la película transcurre con el tipo atrapado en el pueblo fantasma intentando aguantar el frío, analizando las últimas tarjetas grabadas en el ordenador portátil y descubriendo algo más que animales pastando, escuchando ruidos extraños y huyendo de casa en casa atemorizado por ciertas presencias que quieren divertirse con él.

    Resulta contradictorio cómo una película monótona, lenta, sin apenas diálogos, con un solo actor para el 99% de metraje, con un villano —lo denomino así para no spoilear— que está inquietando al protagonista pero no demasiado y con casi dos horas de duración te mantenga pegado a la butaca sin pestañear. Al final del visionado no sabes si has visto una obra cumbre del suspense o un auténtico ñordo, pero no hay duda que se siente el mismo frío, agobio y claustrofobia que siente el protagonista.

    Para finalizar la crítica, decir que el actor Renzo Gariup asistió al estreno, pero pese a actuar muy bien en la película, su carisma en versión "live" es bastante nulo. De hecho cuando alguien de la organización que lo presentó le preguntó sobre la trama, se metió una parrafada sobre la vida y la naturaleza de más de cinco minutos, lo que obligó a la traductora a hacer un esfuerzo sobrehumano y conseguir traducir tremenda paja mental.

    Por cierto, NO recomiendo el visionado del siguiente trailer por contener ciertas imágenes spoileantes.

2013 MENOS 1

    Y terminamos el día con una buena película casposa. Pese a su limitado presupuesto y su aire pseudo amateur, la verdad es que finalizamos este paso por Sitges de una manera divertida. "2013 menos 1" es una producción brasileña dirigida por Vitor Baumgratz con guión de él mismo y de Daniel Barosa.

    La trama se situa en una fiesta de fin de año. El 2.012 va a terminar y un grupo de gente de lo más variopinta decide en coña, despedirse de la vida de la manera más divertida posible (recordemos lo de las profecías mayas). 

Al llegar el 2.013 no ocurre nada, y se dan cuenta que por el cambio horario aún tienen una hora más de diversión. Pero al llegar el 2.013 a su zona, comienza el apocalipsis. Primero se hace de día en plena noche y los rayos de sol queman a los que no están bajo refugio. Después, los que han muerto pero no han sido churrascados resucitan como zombis. Eso sí, como zombis con maquillaje cutrón de calavera. A continuación llega la invasión de los hijos del mítico Jocántaro de "Kárate a muerte en Torremolinos" para acabar apareciendo uno de los cuatro Jinetes del Apocalípsis, concretamente el de la guerra, sólo que en vez de montar un caballo rojo va encima de un tanque de cartón.

    Por su parte, un grupo de amigos intentan sobrevivir a toda esta movida, con el supuesto liderazgo de uno de ellos, que posee un kit anti zombis, vampiros y extraterrestres. Para ayudarles un poco, aparecerá Jesucristo en forma de un chulito que monta en coche, tiene el pelo corto y fuma puros, y unos bondadosos extraterrestres que no acabarán bien parados.

    La película es una divertida broma de menos de hora y media, con efectos especiales horrendos, malas interpretaciones, y en la que han decidido meterlo todo en el guión. Lo bueno de esto es que no da respiro y no dejan de pasar cosas a lo largo de todo su metraje. Además, para amantes de la caspa, decir que hay dos maravillosos guiños a "Supersonic Man" y "Troll 2", por lo cual su visionado es obligado.

CONCLUSIONES

   Tras un primer capítulo de resumen y tres más dedicados a las películas llega el momento de la despedida, pero antes de ello, decir que quedaron muchas películas por ver, bien por falta de tiempo o bien por estar las entradas agotadas (como dije en el primer especial, este año las colas han sido brutales): "Computer chess", "Contracted", "Pixel theory", "Big ass spider", "Dragon Ball Z: Battle of the Gods" —primera película de animación de Dragon Ball concebida para cines—, "Space pirate captain Harlock", "Machete Kills", "Rewind this!" —aunque esta pudimos verla semanas después en el festival Horrorvision—, "Battle of the damned" —zombis, robots y Dolph Lundgren—, etc., son algunos de los títulos imprescindibles pero que no pudimos ver.

    A continuación, y para terminar, llega el momento de la clasificación. Y como siempre digo, esto no es una muestra muy representativa de un festival que acoge todos los años al menos 200 estrenos, pero puede serviros de guía a la hora de preparar vuestros próximos visionados. De hecho, si el festival de Sitges tiene varias categorías y cada una sus propios premios ("Noves visions", "Sección Oficial", "Brigadoon", etc.), aquí tenemos los Premios BlogCaspa del 46 Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya - Sitges 2.014, oficiosos, of course.
Por último, tengo que decir que la posición de cada película dentro de su categoría indica también si es la vencedora en dicha categoría.

CATEGORÍA "IMPRESIONANTE E IMPRESCINDIBLE"

1. "CAPA CAÍDA"
2. "Blackfish"
3. "Jodorowski's Dune"
4. "The asking room" (corto sección Phonestatic)

CATEGORÍA "BASTANTE BUENA"

1. "THE PHILOSOPHERS"
2. "Big bad wolves"
3. "The other side" (corto sección Phonestatic)
4. "Oltre il guado"
5. "Anime Mirai 2.012"
6. "The outsider: Il cinema de Antonio Margheriti"

CATEGORÍA "NO ESTÁ MAL, NO SUFRIRÉ VIÉNDOLA, PERO BUENO, TAMPOCO MORIRÉ SI NO LA VEO"

1. "A GLIMPSE INSIDE THE MIND OF CHARLES SWAM III"
2. "Byzantium"
3. "From Romero to Rome: The rise and fall of the italian zombie film"
4. "Violet"

CATEGORÍA "MUY BUENA NO ES, PERO VENGA, VA EN SERIO, QUE TE VA A ENTRETENER"

1. "FRANKESTEIN's ARMY"
2. "The colony"

CATEGORÍA "QUÉ RALLADA, PERO ESTOY DISPUESTO A DARLE UNA NUEVA OPORTUNIDAD"

1. "UPSTREAM COLOR"

CATEGORÍA "¡HUYE COMO LA PESTE!"

1. "ESCAPE FROM TOMORROW"

CATEGORÍA "ÑORDO SUPREMO Y CASPA DIVERTIDA A RAUDALES":

1. "SHARKNADO"
2. "Capitán Justicia" (corto sección Phonestatic)
3. "Mememe no kurage"
4. "2013 menos 1"

    Por tanto, y tal como se ve en la última categoría...

EL PREMIO BLOGCASPA A LA MEJOR PELÍCULA MALA PROYECTADA EN EL 46 FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINEMA FANTÀSTIC DE CATALUNYA - SITGES 2.014 Y LA QUE REPRESENTA DE FORMA MÁS FIDELIGNA LOS VALORES DE ESTA WEB (cutredad, ineptitud y diversión) CORRESPONDE A...

MENCIONES ESPECIALES DE BLOGCASPA A:

"CAPITÁN JUSTICIA" por ser capaz de defender al mismo nivel los valores de la vencedora en menos de cinco minutos.

"CAPA CAÍDA", "FRANKESTEIN's ARMY" y "JODOROWSKI's DUNE" por su enorme cantidad de frikismo, bizarrismo y amor honesto al cine fantástico.

"BLACKFISH", por su capacidad para tenerte cabreado toda su duración (por el tema tratado) y que pese a que no tenga nada que ver con la caspa, al terminar su visionado conseguir que desees la destrucción del universo entero.

    Y esto es todo amigos. El año que viene si Cthulhu o los dioses de Kobol quieren tendremos más. Ahora a seguir disfrutando del cine bueno y también del malo

    Esta ha sido una (interminable) crónica de Albert Sanz.

SITGES XPERIENCE 2.013 (III)

DÍA 3
—Domingo 13 de octubre—

VIOLET

    La mañana del domingo tocaba visita al Prado y primera película seleccionada exclusivamente por mi churri. O sea, sí lector@s, estamos hablando de una película romántica. Dado que no me apetecía nada en absoluto verla, opté por no buscar información ni ver su correspondiente trailer; quien sabe, al igual me llevaría una sorpresa. Y la sorpresa fueron varias y además positivas: en primer lugar la coprotagonista femenina es mi musa virtual Leticia Dolera, la cual está más preciosa y adorable que nunca; en segundo, tercer y cuarto lugar estaría el hecho de que la película no está nada mal, contiene interpretaciones naturales (no sobreactuadas o impresionantes, sino naturales, de manera que cualquiera puede empatizar con los personajes) y además algunos elementos paranormales o fantásticos le dan un aire diferente.

  Los protagonistas son Álex y Cinco, dos inmigrantes españoles que viven en Santa Mónica. Álex —Junio Valverde— tiene el hobby de comprar viejas fotos en formato Polaroid en rastros y clasificarlas según diferentes criterios. Por su parte, Cinco —Leticia Dolera—, es una artista gafapasta y un poco hipster que bebe los vientos por Álex. Primer detalle de originalidad: ¡ESTAMOS ANTE UN CASO DE PAGAFANTISMO INVERSO! ¡YA ERA HORA! Un día, Álex encuentra la foto de una misteriosa rubia y se obsesiona por ella (lo que no queda claro es si la conocía de antes o no), y siguiendo ciertas pistas que le aportan fotos que él mismo va haciendo, empieza a estrechar el círculo hasta encontrar el paradero de la misteriosa rubia, ayudado por Cinco y Solomon —Carlos Bardem—, un excéntrico vidente.

   Dirige Luiso Berdejo, director de "La otra hija" y guionista de "[Rec]" e "Insensibles". La película pese a su limitado presupuesto tiene detalles muy interesantes, desde las localizaciones, la excelente fotografía y algunos detalles de humor bizarro, como por ejemplo, el momento en que el abuelo de Álex se le aparece en sueños y para justificar la mala imagen de la escena, le dice que los sueños nunca pueden verse en HD.
Destacar también el papelón de Carlos Bardem, que aunque breve es impresionante por lo friki, y la aparición en voz en off de Ricardo Darín. Como detalles negativos estarían una cierta lentitud en algunos momentos (diez minutos menos de metraje harían la película más dinámica) y el hecho de que la película se proyectó en castellano con subtítulos en inglés, pero en las escenas en las que los protagonistas interactuaban con personajes americanos, aquellos pasaban al inglés pero entonces no teníamos subtítulos al castellano. ¡Con dos cojones!

    Vamos, no es una película que vaya a cambiar el mundo pero se ve con agrado. Resumiendo, peli romántica para deleite de nuestras churris que sin embargo podemos ver los machotes sin que nos sangren los ojos.

CAPA CAÍDA

    Atención porque llegamos a las palabras mayores. "Capa caída" es la mejor película estrenada en Sitges este año y UNA DE LAS MEJORES PELÍCULAS ESPAÑOLAS DE LA HISTORIA. La obra del director Santiago Alvarado y el coguionista Ramón Salas (el mismo Alvarado es es el otro coguionista) rivaliza y compite en igualdad de condiciones con clásicos de nuestro cine como "Volver a empezar", "Los santos inocentes" o "Aquí llega Condemor: el pecador de la pradera"; obras de culto atemporales con los que la crítica se deshace en alabanzas. Pues bien, "Capa caída" ha llegado para quedarse y que las próximas generaciones sepan como se hace cine de verdad. Me veo en 3... 2... 1... el remake americano.

    "Capa caída" se presenta en formato de falso documental o "mockumentary" con una premisa de los más frikysugerente: los superhéroes existen y Magno fue el primero de ellos, pero a diferencia de lo que imaginamos, no nació en USA sino en un pueblo de la España profunda, aunque siendo un adolescente se trasladó a Barcelona para ganarse la vida. Fue allí, en plena década de los 30 cuando se despertaron sus poderes y se convirtió en leyenda. No obstante, la leyenda fue hábilmente manejada por un equipo de asesores a cargo del gobierno de turno. Junto a Little Boy, el dúo fue el azote de los criminales de la época. Se detuvo la Segunda Guerra Mundial y la humanidad comenzó a admirar a los superhéroes. Hasta que Magno fue acusado de pederastría y de abusar de su joven compañero. Así fue como la leyenda del más grande de los superhéroes cayó en el olvido hasta hoy, en la que un par de cineastas han decidido buscar y encontrar a Magno y narrar su vida a diario.
Lo que encontraran será a un solitario encargado de la frutería de un supermercado, amargado por momentos, divertido por otros, que no puede olvidar el pasado y que envidía la mortalidad de los humanos corrientes.

    El documental explora la carrera de Magno desde sus inicios, entrevistando a los superhéroes españoles más importantes de la actualidad, a expertos en historia, a sus archienemigos que aún viven, se muestran imágenes de B/N de archivo e incluso el equipo del documental se traslada a su pueblo natal. Y por supuesto, intentan dar respuesta a si en verdad fue culpable de lo que le acusaron o si todo se trató de un complot para hundir su imagen.

    Y no puedo comentar más puesto que esta película será analizada a conciencia en próximas entregas. Sólo comentaré que el televisivo presentador Juanjo Pardo es nuestro Supermán partícular, e interpreta de manera magistral a un personaje que dentro de la comicidad del film, es muy complejo y lleno de matices.

    Por cierto, esta película, aparte de ser presentada en un cine Prado ante la mayor cantidad de gente que servidor haya visto en ese cine, ganó el premio a mejor película dentro de la sección “Nuevas Visiones Emergentes” del festival.

SESIÓN PHONESTATIC SITGES MOBILE FILM FESTIVAL

    Como ya comenté en la primera parte de esta serie de artículos, el Phonetastic Sitges Mobile Film Festival es el primer festival de cortometrajes rodados con teléfono móvil y creado a medias entre el festival de Sitges y el Mobile World Capital Barcelona. En la zona cercana a la entrada del Auditori Melià se ubicó la cabina donde se podía acceder a la información del evento así como visionar algunos de los cortos, pero en el edificio del Escorxador, Brigadoon cedió su ubicación habitual a su nuevo hermano pequeño. 

Lo sorprendente fue que a falta de veinte minutos para comenzar, la organización impidió la entrada a un puñado de personas que hacíamos cola. La razón fue la inmensa aglomeración de asistentes al evento. De todas formas, no todos eran "civiles" como yo, sino que parte de los equipos de los veintisiete cortos que iban a proyectarse estaban allí, por lo que a medida que éstos iban pasando la sala se fue vaciando (todo y con ello, el número de asistentes siguió siendo elevadísimo). Por fortuna, al final se nos permitió acceder al recinto siempre que nos colocáramos de pie en la parte trasera o en las laterales, zonas que por cierto, ya estaban llenas cuando entré.

    La otra sorpresa vino por la calidad de los cortos en sí. Primero por la calidad de imagen de la mayoría de ellos. Al margen de asuntos de post-producción o software empleado en la edición, nada podía hacerme pensar la calidad que pudiera obtenerse con un smartphone. Y segundo, por la calidad de los guiones. Fue alucinante que de todos a lo mejor uno o dos podrían considerarse mediocres, la mayoría de ellos muy buenos y unos pocos auténticas obras de arte.

Por desgracia no recuerdo el nombre de todos los que me gustaron, pero comentaré los que sí recuerdo (confío en no haberme equivocado de nombre a la hora del comentario):

• "THE OTHER SIDE": Mansión antigua, bosque tétrico, fotografía en B/N, niebla, lobos, niñas aterradas en su habitación intentando impedir la entrada de su madre ahora convertida en vampira, drama... Todos los elementos que hacían grandes a las producciones de la Hammer condensadas en casi veinte minutos de corto tenso, intrigante, gótico y magistral, que a la postre, fue el flamante GANADOR de este sub festival.

• "CAPTAIN DONALD AND THE LITTLE MERMAID": Lo admito, no es un gran corto, pero la diversión casposa está asegurada; y es que no es habitual que la protagonista del mismo sea la estatua de la sirena que está al pie de las escaleras de acceso a la célebre iglesia de Sitges —que da imagen junto a King Kong al festival—. La sirena cobra vida gracias a un turista y se lía la de Dios.
• "MÁSCARAS": Una mujer se comunica via Skype con un amigo. Ella está en una oficina y se siente perseguida. Todo el mundo, amigo incluido, lleva una máscara tapando la cara, todos menos ella y el amigo no entiende porque no quiere llevarla. Ambiente tenso y claustofóbico para un corto con no demasiada calidad técnica, pero que la suple con sobredosis de suspense.
• "CAPITÁN JUSTICIA": Caspa a raudales. Si por BlogCaspa hubiese sido, a este corto le habrían dado un Óscar. Superhéroe de pacotilla que viaja en bus, supervillano de pacotilla que viaja en metro y F/X nivel amateur componen una historia desternillante. Eso sí, a nivel de calidad de imagen, brillo y color, fue el mejor de lejos.

• "THE ASKING ROOM": La trama va de un interrogatorio por parte de dos policías a un pobre tipejo con cara de oficinista amargado. Le acusan de un asesinato múltiple. Él lo niega, pero el interrogatorio finalizará con un doble giro de guión tremendo. Impactante BSO, impactantes voces de los actores, impactante interpretación del oficinista amargado y el doble giro argumental pone los pelos de punta. ¿He dicho ya que me pareció impactante? 

    Podría destacar también uno de los dos cortos fuera de competición, que no fueron grabados con móbil pero dio la sensación que la organización del festival de Sitges no supiera donde ubicarlos. "Stray cats" narra con humor y un punto de drama la relación entre un estudiante y un gato que un día se le cuela en casa. Pese a su duración —debió rondar los veinte minutos— y su temática alejada del fantásitco, no se hizo para nada pesado. También destacaría a un nombre que se repitió en varios de los cortos de la proyección: Conrad Mess, director de "The other side" y "The asking room". Y digo que debo destacarlo ya que precisamente los que más me impactaron le tenían a él como director, o sea que puede que estemos ante un nuevo Kubrick.

DÍA 4
—Lunes 14 de octubre—

A GLIMPSE INSIDE THE MIND OF CHARLES SWAN III

    Asistir al cine Retiro en lunes a las 8:30 de la mañana tras haber salido de un maratón dos horas antes demuestra tenerlos bien puestos. No es mi caso, aunque el Phonestatic finalizó sobre las 2:00, pero me consta que bastantes de los asistentes a este pase si habían salido de alguno de los maratones. Pero no pasa nada amigos, por Charlie Sheen se hace lo que haga falta. La excéntrica rock star (sí, lo suyo es más propio de una rock star ochentera) es la máxima protagonista de la nueva película de Roman Coppola, hijo de quien ya sabéis y director de un montón de documentales y videoclips. "A glimpse inside the mind of Charles Swan III" es su segunda incursión en el cine y las sensaciones han sido agridulces.

    Charles Swan III —Sheen— es un reputado ilustrador cuyo trabajo es usado principalmente como portada para discos de rock. Pese a estar forrado hasta las trancas y vivir en una mansión de lujo, un mal día su novia Ivana —Katheryn Winnick— lo abandona al encontrar un archivo de fotos de las miles de tías que se había tirado antes de conocerla. A partir de ahí, intentando recuperarla, Swan sufrirá un accidente que hará peligrar su trabajo, sus amistades y su cordura, aunque ello le permitirá analizar la vida que ha llevado hasta el momento.

    Acompañan a Sheen Patricia Arquette, Bill Murray y Jason Schwartzman. Coppola demuestra un sentido de la estética excelente y de los resortes del humor en todos los sentidos (a destacar los surrealistas números musicales de la película), así como de saber dotar a la cinta —pese a las estrellas mainstream que aparecen— de un cierto aire indie, pero la narración peca de bastantes momentos lentos. Es decir, te lo pasas bien viéndola pero una vez ha terminado te das cuenta de que apenas han sucedido cosas en ella. Por otra parte, parece que nos encontremos ante un spin-off de "Dos hombres y medio": Charles Swan III no deja de ser un Charlie Parker diez años mayor que aún intenta alargar su adolescencia disfrutando del sexo, el alcohol y el éxito, pero al que la tercera edad comienza a llamar a su puerta, lo cual se traduce en un carácter cínico y amargado. Charlie Sheen lo hace muy bien, llena la pantalla con su presencia (aunque Bill Murray también está espléndido) pero no da la sensación de que esté actuando, sino de que es así o de que no ha tenido que esforzarse nada puesto que está haciendo otra vez de Charlie Harper. 

    Pese a tener personajes muy naturales aunque dotados de un punto excéntrico, localizaciones lujosas, números musicales a modo de ensoñaciones bizarras (impactante la bossa nova de Sheen cantada en brasileño) y un sentido de la estética muy personal, lastra el visionado el hecho del tempo lento y de no haber querido ser más irreverente y hacer que este Charlie Swan III fuese más desfasado todavía que el Charlie Parker de "Dos hombres y medio". 

FRANKESTEIN's ARMY

    Y llegamos a una de estas películas indispensables para cualquier amante del terror, el frikismo, la caspa y los videojuegos. A ver, para esta "Frankestein's Army" sus creadores deben de haber ideado el argumento tomando un café y sobre una servilleta de papel; y para el desarrollo del argumento como mucho habrán empleado la comida y usado medio folio. Para el rodaje, maquillaje, efectos especiales y demás, hombre, la cosa debe haber tomado más tiempo del necesario. Por tanto tenemos estética impecable, maquillaje perfecto, diseño y creación de criaturas excepcional y todo ello sobre una trama simplona desarrollada por alguien que jugó demasiado al "Wolfestein 3D" en su niñez o adolescencia.

    La premisa de esta producción noruega dirigida por Richard Raaphorst es que en plena Segunda Guerra Mundial y con los nazis dando por culo cerca de Moscú, una patrulla del ejército soviético es enviada a una zona alejada como mil kilómetros de cualquier conflicto bélico. Todo suena sospechoso: es una zona rural, no hay nada de valor en ella ni para los nazis ni para los mismos rusos y encima el mismísimo Stalin ha enviado a Dimitri —Alexander Mercury—, un camarógrafo del ejército para que grabe toda la misión. Cerca del pueblo comienzan a recibir por radio un S.O.S. de otra patrulla que tampoco debiera estar allí, y de cuya presencia nuestros protagonistas no tenían conocimiento. Al llegar se encuentran con un pueblo deshabitado y un único superviviente que asegura que un mad doctor ha secuestrado a todo el pueblo para hacer experimentos. Antes de llegar al sótano de un edificio guiados por el superviviente, se les unirá un par de enfermeras y un soldado nazi desertor y acojonado. Una vez en las catacumbas del edificio descubrirán con horror decenas de soldados rusos y nazis transformados en extrañas criaturas. Todo un catálogo de seres espeluznantes creados por un aficionado al gore, al steampunk y a las armas fabricadas por El Equipo A cuando les encerraban en un taller mecánico. Por cierto, para añadir más caspa al asunto *SPOILER* el mad doctor es ni más ni menos que Viktor Frankestein Jr. (interpretado por el carismático Karel Roden) *FIN DEL SPOILER*

    Toda la película está rodada con el ya coñazo recurso del found footage o cámara al hombro. Sin embargo, por una vez no marea, no cansa, y contribuye en la primera mitad a dotar de un carácter documental a las escenas, y en la segunda mitad a dotar de un carácter claustrófóbico al intento de supervivencia de los soldados dentro de las instalaciones del villano.

    En resumen: buenas interpretaciones pese a la unidimensionalidad de los personajes, exteriores en plena naturaleza pero alejados de cualquier imagen de campo bucólico, interiores claustrofóbicos, violencia, mucha tensión y el diseño de criaturas a cual más acojonante y original contribuyen al disfrute de un visionado entretenido y divertido, pese a lo chorra del argumento y su desarrollo previsible y lleno de tópicos.

CONTINUARÁ....

SITGES XPERIENCE 2.013 (II)

    Tras una primera entrada en la que repasé diversos aspectos de esta edición de nuestro festival favorito, hoy me encargo de comenzar a analizar las películas que servidor y su churri vimos. Cabe decir, que así a bote pronto, cada año deben de proyectarse unas 200 películas. La elección siempre viene motivada por uno de estos aspectos, o por la mezcla de algunos o todos ellos:

• Que te guste el director o el elenco.
• Que te gusten la sinopsis y el trailer.
• Que los pases de esas películas coincidan en los días que puedes ir.
• Que no te hayas quedado sin entradas (excepto en los pases de Brigadoon o el Hort de Can Falç, ya que son gratuitos).

    En definitiva, que es un poco lotería. Así que tras unos años en los que habíamos tenido mucha suerte en la elección, este año nos hemos tragado una colección de mierdas infumables o de películas olvidables. Algunas han sido gratas sorpresas, pero en su mayoría, no hemos salido demasiado satisfechos. Y que conste que no es una crítica al festival. Como digo, salvo algunos estrenos que vas a tiro fijo, el resto suelen ser una lotería. Tengo claro que nuestra selección no es extrapolable al resto del festival. También es cierto que dado que mi tolerancia a la roña es elevada, y que he subido más veces a Sitges que mi churri, yo he disfrutado más de las diferentes proyecciones que ella.

   Y sin más dilación, vamos al lío.

LAS PELÍCULAS

DÍA 1
—Viernes 11 de octubre—

BYZANTIUM

Dos décadas después del clásico "Entrevista con el vampiro", Neil Jordan vuelve al universo vampírico con este film independiente y totalmente alejado tanto de la vertiente adolescente actual a lo "Crepúsculo" o de la mamporrera a lo "Underworld"; y eso que unas de las protagonistas es Saoirse Ronan, actriz de corte "crepuscular" y cara de eterno sufrimiento, protagonista de aquel truño llamado "The host" que adaptaba otra infumable novela de Stephanie Meyer.

    Clara —Gemma Arterton— y su hija Eleanor —Saoirse Ronan— son vampiras que pueden caminar bajo la luz del sol pero no brillan. Al contrario de lo habitual, Clara es la fiestera alocada y divertida, mientras que su hija adolescente —adolescente para ser vampira, porque ya tiene más de 200 años de edad—, siempre está seria, quiere estudiar y sufre por no poder encontrar a un amor al que explicar su secreto y un lugar donde vivir. Eso sí, es la mayor virtuosa del piano de todos los tiempos y solo mata a ancianos que hayan sido deshauciados en un hospital.

Viven como nómadas y subsisten del dinero que consigue su madre como prostituta. En un apartado pueblo, Clara iniciará una relación con un solitario y amargado propietario de un hotel —David Heap—, al que convencerá de que el dinero fácil vendrá si convierten el hotel en un prostíbulo de lujo, y Eleanor conocerá a un estudiante —Sam Riley— y se sentirá tentada de contarle su secreto.

   La película tiene muchas virtudes y se aleja del estereotipo de película de vampiros. Es lenta, el ambiente y la fotografía contribuyen a transmitir la melancolía y tristeza de los personajes y los actores interpretan con naturalidad sus papeles. Sí, también tenemos amor adolescente entre una vampira y un humano, pero nada que ver con lo que estáis pensando. En contra, las partes más dinámicas vienen de los flashbacks, en los que conocemos el original método de transformación de madre e hija (bastante terrorífico) y el sórdido mundo en el que vivían.
Sin embargo, lo que lastra el film es que Jordan ha tenido (o le han impuesto) que añadir una trama tópica hasta decir basta: la de la sociedad secreta de vampiros misóginos que persiguen a la pareja. Era innecesario y deja una sensación de déjà vu que jode bastante. Una pena, porque hasta el momento teníamos un drama introspectivo con ocasionales toques de terror bien conseguidos. Sin toda esa subtrama habríamos tenido una película de lo más original.

    Recomendable pese a todo.

THE COLONY

    A medida que me hago más viejuno me vuelvo más talibán, y hay cosas que ya no tolero. Cinematográficamente hablando, odio que me vendan la moto. Ya sabéis los cagarros que analizamos en esta página, así que mi grado de tolerancia es alto, pero es que engendros como "Supersonic Man" nunca se intentaron vender como una película seria que revolucionaría su género. Soy el primero que a una saga como "A todo gas" no le pide verosimilitud, mi suspensión de credibilidad es infinita y estoy esperando fantasmadas por doquier. Pero cuando vemos los cambios que ha supuesto "Star Trek" o "Prometheus" respecto a las sagas de las que proceden, y que se vendan la moto de lo que no es, pues me subo por las paredes.... pero bueno, no vengo a hablar de mi conocido antiabramsnismo. Este rollo viene a que "The colony" es de las peores películas que hemos visto este año, y sin embargo, de las que más he disfrutado. ¿Por qué? Porque es un espectáculo palomitero, con una clara referencia a otra película que mencionaré después, tiene un argumento y un desarrollo simple, interpretaciones limitadas sobre unos personajes planos y tanto la sinopsis como el trailer no engañan, por lo que te da lo que ofrece: entretenimiento para pasar el rato sin ganas de trascender en la historia del cine, eso sí, mostrando al menos en apartados técnicos unos valores de calidad altos.

    Así pues, "The colony" se situa en un futuro cercano. En él, se ha conseguido crear una serie de dispositivos similares a antenas gigantescas capaces de controlar el clima a voluntad. Años después el resultado ha sido el apocalipsis climático. El 90% de la humanidad ha muerto bajo los efectos de una segunda glaciación y los supervivientes viven en refugios subterráneos.
Dos bases en concreto mantienen contacto por radio hasta que una de ellas pide ayuda a la otra. Obviamente, sabemos que es una trampa, y que el grupo que vaya a investigar se va a topar con algo muy malito. Y punto. No se han matado mucho con la historia, ¿verdad?

    Briggs —Laurence Fishburne— dirige la base de los buenos; base en la que hay una norma inquebrantable: aquel que enferme (en esas condiciones un simple resfriado puede ser mortal para todos) tendrá que hacer una elección: que le peguen un tiro en la cabeza o ser expulsado de la base. Mason —Bill Paxton— es su mano derecha y la parejita de adolescentes Sam y Kai —Kevin Zegers y Charlotte Sullivan— están ahí para que deseemos su pronta defunción.

    La peli tiene todo lo que os podéis imaginar: una situación de supervivencia extrema en las que Briggs mantiene su oronda figura y Sam y Kai son jóvenes sanotes y para nada desnutridos con sus perfectas melenas de peluquería, una ambientación interior claustrofóbica y una exterior en tonos azules que transmite soledad y muerte y que no reniega, pese a contar con CGI's, del uso de maquetas a la antigua usanza, y un grupo de zombis/caníbales/infectados a los que no les afecta el caminar por la nieve semidesnudos a 50 grados bajo cero. La relación con "Fantasmas de Marte de John Carpenter" de John Carpenter (nunca dejará de hacerme gracia que la mayoría de sus películas se titulen con el añadido de su propio nombre) es más que obvia, tanto en el desarrollo como en el diseño de los villanos y de su líder en particular.
Otro detalle digno de mención sería el gran papel que realiza Bill Paxton. Pese a que su personaje salga poco y cumpla con el estereotipo de cabrón sin sentimientos, el actor lo borda y se come al resto de sus compañeros de reparto.

    Y para terminar, no puedo resistirme a comentar el hecho de que en ningún momento se paran a explicar lo del desastre climático ni el origen de los villanos (lo cual, puestos dar una explicación chorra, mejor que se lo hayan ahorrado) así como el lamentable a la par que casposo detalle de que Kai lleve años analizando las imágenes que envía el único satélite funcional (WTF?) intentando encontrar la tierra prometida donde hace calor, y que en el momento de mayor tensión de la película, Sam la encuentre en diez segundos. ¡Viva la coherencia!

    Lo dicho, espectáculo palomitero simplón que combina ciertos momentos casposos con otros de calidad.

UPSTREAM COLOR

    De tanto en tanto, uno debe enfrentarse a obras para las que no cabe más opción que admitir que el cerebro propio no está preparado para entender ciertos conceptos y situaciones. Es eso o despotricar hasta la extenuación contra todos los involucrados en la película, desde el jefazo máximo de la productora hasta los transportistas encargados de llevar las copias a los cines.

    En mi caso, hasta el momento, dos eran las películas sobre las que reconozco no estar preparado para entenderlas: "Inland empire" de David Lynch y "Gothic assassins" de Milos Twilight. Ahora debo añadir "Upstream color". Claro que podría despotricar como he dicho antes y comentar que es una PUTA MIERDA INFECTA, carente de toda lógica en su desarrollo, que no la entiende ni su puta madre y que su director y guionista se ha dedicado a cagar una gafapastada sin sentido. Y eso que tras el guión y la dirección se encuentra Shane Carruth, creador de aquella rallada de culto llamada "Primer" y ganadora en 2.004 del Gran Premio del Jurado en el prestigioso festival de Sundance.
Hay que admitir que "Primer" ya era bizarra de cojones, pero como todo el mundo sabe, si a un guión le añades ninjas, dinosaurios, robots o viajes en el tiempo, forzosamente saldrá algo bueno —en este caso era esto último— y ese debut acabó siendo bastante interesante. Por contra, "Upstream color" es... es... venga vale, diciéndolo de manera educada... me supera.

   A ver, la sinopsis sería algo así: un estafador —Thiago Martins— compra una rara variedad de orquídea azul y las planta en su jardín. Al cabo de un tiempo, si escarba la tierra donde plantó las flores, se encuentra con un montón de gusanos. Dichos gusanos tienen el poder de confundir y dejar a la persona que los ingiere totalmente sumisa y alienada. El estafador secuestra a Kris —Amy Seimetz— y tras obligarla a tomar uno de los gusanos, se aprovecha de ella y la arruina, haciendo que saque todo el dinero de sus cuentas corrientes.
A punto de enloquecer, Kris conocerá al compositor —Andrew Sensenig—, extraño tipo que se dedica a grabar sonidos de la naturaleza, el cual extraerá el gusano de Kris, que ahora mide como tres kilómetros y está por todo su cuerpo. ¡Ah! y luego implantará el gusano a una cerda.
Posteriormente Kris conocerá a Jeff —el propio Carruth—, atractivo y solitario ejecutivo que también fue sometido al mismo experimento. Ambos iniciarán una tormentosa relación marcada por intentar conocer qué les ocurrió y los continuos cambios de humor y de comportamiento que a modo de secuela les ha dejado el puto bicho.

    Si lo miramos técnicamente, la película exhibe una imagen, fotografía y sonido sublimes, aunque me temo que esos no son los parámetros por los que se ha regir el interés de una película. En todo caso valdrían para una película porno. Pero también es cierto que la multitud de detalles que en un primer visionado se pierden, impide no entenderla bien. El problema es que si a un desarrollo confuso le añades un tempo lento, ausencia casi total de diálogos (aunque pese a eso, el trabajo interpretativo de Seimetz y Carruth es excelente) y un aburrimiento desesperante, ver "Upstream color" por segunda vez es mucho más doloroso que suicidarse bebiendo lejía hirviendo o escuchando en bucle la discografía de Pitbull.
No obstante, alguien la ha visto varias veces y se ha atrevido a teorizar sobre ello. Sus conclusiones las encuentro lógicas y coherentes; lo que no acabo de comprender aunque sea digno de elogio, es que haya sido capaz de verla tantas veces y haber sido capaz de establecer su propia teoría. El susodicho artículo puedes leerlo aquí.

    No es que le tenga alergia al cine experimental, de hecho soy el primero que flipa con "Pi. Fe en el caos", pero incluso algo tan arduo de ver como ésta o la mencionada "Inland empire" mantienen una intriga, un misterio a lo largo de todo su metraje, aunque después no tengas claro de qué va o qué está sucediendo. Aquí no pasa eso ni de coña.

DÍA 2
—Sábado 12 de octubre—

MEMEME NO KURAGE

    Conocida fuera de Japón y publicitada por el festival como "Jellyfish eyes", "Mememe no kurage" inaugura —a falta de precedentes que servidor conozca— una nueva categoría: la caspa infantil.

Bajo la dirección de Takashi Murakami y guión de Yoshihiro Nishimura que adapta una historia del primero, la película es hablando en plata, la versión en carne y hueso de "Pokemon". Niños repelentes, villanos absurdos, desarrollo aún más absurdo, trama imposible, efectos especiales infográficos sólo un poco por encima de The Asylum (pese a que la interacción bicho virtual-actor real es fantástica) y algunas interpretaciones forzadas es lo que nos vamos a encontrar; pero también sobredosis de ternura y entrañabilidad, bichos adorables, peleas a lo "Matrix" y referentes culturales tanto japoneses como extranjeros —"Mi vecino Totoro" o "Donde viven los monstruos"—.

    La sinopsis es esta: el niño Masashi —Takuto Sueoka— se traslada con su madre a una pequeña villa a iniciar una nueva vida, donde vive el hermano de ésta —Takumi Saito—, a la postre científico jefe en una ultrasecreta base del gobierno. Masashi descubre que entre todas las cajas que se ha colado un pokemón F.R.I.E.N.D. (no recuerdo qué significan esas siglas, sorry), una especie de bichito adorable, que vuela, practica artes marciales y se pirra por la bollería infantil. El primer día de escuela Masashi flipa porque todos los niños tienen uno, al cual controlan con una especie de smartphones. Poco después se descubre que una especie de secta de malosos han obligado al tío de Masashi a crear las criaturas y su dispositivo de control. Como todos los niños son crueles, resulta que han desarrollado una liga de combates ilegales a muerte (bueno, no mueren, sólo se quedan sin energía y retornan a su dispositivo de control) y cada vez que las criaturas realizan algún acto malo, una energía negativa se almacena en la base ultrasecreta de los malosos, los cuales quieren abrir un portal dimensional con el cual traer al pokemón definitivo: ¡¡Pikathulhu!!

    Lo dicho, carne de BlogCaspa y que no os extrañe que la destripe en breve.

FROM ROMERO TO ROME: THE RISE AND FALL OF THE ITALIAN ZOMBIE FILM

    Primer documental de unos cuantos que vería a lo largo del festival y enmarcado dentro del Brigadoon. Ante una audiencia numerosa, el escritor y articulista Calum Waddell en persona presentó en el escenario del Escorxador este documental que ha dirigido, y del cual no os ha de engañar su escasa duración de 60 minutos, dado que el interés y cantidad de información que transmite es alta.

Partiendo del clásico "Nueva York bajo el terror de los zombies" de Lucio Fulci, Waddell y el resto de entrevistados (entre ellos el gran Luigi Cozzi) hablan del auge del género en Italia. Asimismo, el documental centra una buena parte de su metraje en analizar el fenómeno del exitoso montaje italiano de "Zombi: el amanecer de los muertos vivientes" de George Romero a cargo de Dario Argento y las diferencias con el original americano.

    Interesante para amantes del terror europeo subgénero comecerebros.

ANIME MIRAI 2.012

    Esta película, formada por cuatro cortometrajes independientes, es un proyecto organizado por el gobierno japonés en colaboración con la J.A.N.I.C.A. —Asociación de Creadores de Animación Japonesa—, a través del cual cada año se financian a cuatros estudios japoneses de animación para que produzca un corto de anime contratando en prácticas a jóvenes animadores japoneses. El loable objetivo del proyecto es crear cantera en la industria del anime. Vamos, igual que en España que se apoya tanto a la cultura. Y se supone que Japón acaba de sufrir un desastre nuclear.

    Los cortos responden a los títulos de “Puka puka juju” —dirigido por Hiroshi Kawamata para The Answer Studio—, “Shiranpuri” —Shinpei Miyashita para Shirogumi—, “Wasurenagumo” —Toshihisa Kaiya para Production I.G.— y “BUTA” —Kazuhide Tomonaga para Telecom Animation Film—. 

"Anime Mirai 2.012" venía con el Gran Premio en la categoría de cortometrajes del SICAF 2013 bajo el brazo, uno de los más prestigiosos certámenes de animación del mundo, celebrado el Corea del Sur el pasado julio, así que el interés por verlo era más que evidente, lo que se deduce por el gran lleno que tuvo el cine Retiro para su pase.

    Diferentes estilos de animación y de temáticas, destacaría los dos primeros: "Puka puka juju", por ser una colorista y preciosa fábula fantástica muy en la onda de Hayao Mizazaki y “Shiranpuri”, por tratar el espinoso asunto del acoso escolar en toda su crudeza haciendo uso de un tipo de animación más experimental.

    Por cierto, es obligatorio señalar la cagada de la organización de la sala al encender las luces y abrir las puertas de salida en los créditos del tercer corto... quedando un cuarto por proyectarse. Al apagarse de nuevo la gente volvió en tromba, pero todo y con eso, bastantes butacas quedaron vacías de asistentes que salieron muy deprisa y no se enteraron de que la proyección continuaba, habiendo perdido una parte del coste de la entrada sin disfrutar del espectáculo.

BLACKFISH

    Gabriela Cowperthwaite dirige este documental de cuya proyección creo que todo el mundo salió profundamente conmovido a la par que asqueado. Antes del visionado se pasó un anuncio de una ONG en el que participan diversos famosos españoles. Una de las frases que alguien menciona en el anuncio viene a ser una especie de resumen del documental: "¿sabías que los delfines no sonríen porque sean amables o simpáticos, sino porque esa es la forma que tiene su mandíbula?"

    Tomando como base la muerte de Dawn Brancheau (una de las mejores entrenadoras de orcas y delfines del mundo) a manos de la orca a la que entrenaba, Cowperthwaite nos cuenta la historia de dicha orca asesina, llamada Titikum, desde que era una cría y fue capturada y separada de su manada en Islandia para servir como atracción en el parque Sea Land canadiense y posteriormente en el célebre Sea World de Florida. Mediante el testimonio de ex entrenadores de Sea World se habla de los ataques y muertes que que ha ocasionado Titikum, sus crías y otras compañeras; pero en ningún momento se acusa al animal y ahí está la clave del documental: los testimonios (apoyados en algunos videos espeluznantes) denuncian a un sistema de que hace vivir en cautividad a animales de cinco toneladas y seis metros de largo en piscinas de tamaño ínfimo, con el estrés que ello conlleva, y además obligándoles a repetir ejercicios para deleite de los espectadores, y con continuas peleas entre ellos de las que no pueden escapar por no encontrarse en mar abierto. También se denuncia a las autoridades de estos parques ya que siempre acusan a los entrenadores de haber realizado mal su trabajo cuando hay un accidente o una muerte (en algún caso sí puede ser así) y no admitir que el problema se halla en la existencia de esos parques acuáticos y ese tipo de espectáculos

    "Blackfish" también analiza el hecho de hasta qué punto los entrenadores y empleados de estos parques tienen su cerebro lavado en cuanto a las ventajas que supone el cautiverio de estos animales (como que se cite siempre que el tiempo de vida de una orca en cautividad es superior al de la vida en libertad debido a los cuidados veterinarios, cuando la realidad es que en libertad doblan el tiempo de vida).

    Por cierto, en el documental no dejan muy bien al Loro Park de Tenerife. De visionado obligado no tan sólo para los amantes de los animales, sino para cualquiera que desee el exterminio de la humanidad, porque es lo que dan ganas de que pase tras verlo.

ESCAPE FROM TOMORROW

    Por norma general odio los neologismos que no se traducen del inglés, pero al pensar en esta película me viene uno a la mente: hype. O sea, todo el mundo habla de esta película y hay que verla. ¡Oh Dios, mi vida no será lo mismo sino la veo! Y es que en efecto, todo frikazo que se precie de serlo debía de verla ya que como muy bien leí en alguna parte, es el grano en el culo de Disney. Básicamente se trata de un equipo que ha rodado una película de suspense en B/N en DisneyWorld sin pedir permiso, rodando en zonas comunes y en otras de acceso prohibido a turistas, y supongo que el hecho de que un equipo de ilusionados cineastas cometan un acto ilegal en el seno de una corporación mafiosa es algo que al ciudadano de a pie le gusta, de ahí el interés por verla. Si a esto le añadimos la mejor carátula promocional que se ha hecho en los últimos años (puro arte ochentero) y la película se presenta en Sundance, pues ya está, tenemos todos los alicientes para que sea un éxito de taquilla.
Respecto al festival mencionado, parece que todo lo que se presente en él sea una maravilla. Es cierto que tal vez sea el festival de cine independiente más serio y prestigioso que existe, pero su jurado y la organización que seleccionan las películas son seres humanos que pueden tener un mal dia, y en esta ocasión tuvieron el peor día de toda su puta vida.

    El hype de los huevos se ido modificando hasta decir que Disney no sale muy bien parada en la película; de hecho el trailer no hace más que apuntar a la posibilidad de que más que estar en un mundo mágico y maravilloso, estás en una pesadilla... y bueno, no le falta razón, ya que todo el mundo sabe que los payasos son seres del Averno y la voz de Mickey Mouse fue concebida con el único fin de poner de los nervios al que la oye. Pero ni hype ni hipo ni mierdas, estamos ante la MAYOR BASURA de este festival. Sí, "Upstream color" debe de ser "Ciudadano Kane" comparado con esta basura, que no sólo es una gran mierda, sino que es una de las cosas más aburridas que he podido ver. Joder, al menos cualquier cosa que involucre a JJ Abrams y sus amigos guionistas será más entretenida que esta cosa. Hmm, vale, retiro el ejemplo ya que la vergüenza ajena y los agujeros de guión son constantes en los proyectos de la familia JJ y no hacen más que acortar la vida del que los ve. En todo caso diré que cualquier truño que salga de la factoría de The Asylum no sólo será más entretenida, sino mejor película a casi todos los niveles.

    Volviendo a la película, decir que su argumento va de una familia que visita DisneyWorld. En un par de ocasiones la familia coincide en algunas atracciones con un par de turistas francesas de las que podrían aparecer en cualquier volumen de "Barely Legal". En un momento dado los dos niños se pelean porque cada uno quiere ir a unas atracciones diferentes, así que para que no den por culo, los padres se separan para llevar a cada niño a donde quiere. El padre y su hijo volverán a encontrarse con las francesas y así se inicia una especie de flirteo/caza y captura de hora y media, un coñazo interminable en el que el padre sigue a las chicas sin hacer caso a las peticiones de su hijo.
En medio de todo ello tenemos una escena nada más empezar en que la familia (antes de separarse) entra el el túnel del terror y el marido empieza a ver y oír cosas raras. También tenemos una escena bizarra dentro del Epcot Center y una infidelidad del marido con una MILF que conoce en una zona infantil.

    La película está muy bien rodada, y si bien hay momentos en que para la dirección del parque podría colar cómo alguien que está grabando a otra persona para tener un recuerdo de las vacaciones, hay escenas que han tenido que requerir de varias cámaras, trípodes y tal, vamos, un equipo que una familia de turistas no va a llevar encima; por tanto, el tema de grabar sin permiso queda un poco en entredicho. 

A nivel argumental estoy convencido de que pueden extraerse muchos detalles al estilo de "Upstream color", pero no hay nada peor que una película que en su 75% conste de metraje inútil en el que no sucede nada, que el 25% restante que suceda algo sea incomprensible (al menos en un primer visionado) y que la tan cacareada crítica a Disney sea inexistente.

    Puede que algún día me anime a revisionarla, pero muchas ganas no hay y el tiempo no sobra, así que me resulta más atractivo ver las novedades que The Asylum vaya presentando cada año.

CONTINUARÁ...